Hace ocho años Carlos Vives lloró en Valledupar cantando ‘Sin ti’

Por Juan Rincón Vanegas

@juanrinconv

La mañana del viernes 26 de octubre de 2018 al inaugurarse el Parque de la Provincia en Valledupar, el artista Carlos Vives juntó al Rey Vallenato Náfer Durán Díaz, cantaron la célebre canción ‘Sin ti’ que los llenó de melancolía, recordando historias diferentes, pero pegadas al corazón.

Ese día el artista samario al despedirse, y en la cabina del vehículo que lo transportaba escribió en su cuenta de Instagram. “La canción ‘Sin ti’ de Náfer Durán es la canción que siempre me ha unido a mi papá. Hoy, mi papá se apaga poco a poco, y esta mañana en Valledupar apareció Náfer Durán para cantarla conmigo. Te amo papi. Lloro por ti”. Este mensaje lleno de sentimiento emergió de lo más profundo de su corazón denotando el infinito amor por su padre, quien vivió lleno de nobleza y calidad humana.

Al fallecer el médico Luis Aurelio Vives Echeverría, Carlos Vives la volvió a cantar a su papá. “Con mi nota triste vengo a decirle a tu alma, lo que está sintiendo mi sincero corazón”. En aquel momento estaba al lado del cofre de cremación recordando tantos y tantos episodios de su amado viejo, la estrella quien lo guió a él y a sus hermanos por el esplendor de los senderos de la vida.

Ahora cobra mayor fuerza esa tonada triste adornada con la más grande nota de silencio para Carlos Vives, quien recordó al legendario juglar, nacido en El Paso, con quien platicó muchas veces y siempre coincidían en hablar y cantar ‘Sin ti’.

Testimonio de Naferito

Naferito cuando hablaba del padre de Carlos Vives, expresaba que era un hombre bueno, noble, cumplidor de su deber, bien parecido y buen parrandero. “Para mí era de inmensa alegría ir a tocar a su casa en Santa Marta, porque primero me valoraba como persona y músico. Segundo le gustaba mi canción ‘Sin ti’ que me hacía repetirla varias veces en aquellas parrandas interminables, y tercero que me pagaba bien”.

La sinceridad del legendario juglar recordó esos viejos episodios en las famosas corredurías, donde los días pasaban sin darse cuenta y los tradicionales cantos vallenatos adornaban las parrandas que nunca fijaban horario para acabarse.

Lo que no podía faltar nunca era la narración de la historia de la canción, su cédula musical, y que narraba al pie de la letra. Comenzaba con su esposa, la protagonista Rosibel Escorcia Mure, a quien se la compuso estando en Mompóx, Bolívar. Al regresar a su casa le regaló una serenata. Ella abrió la puerta, sonrió y le comentó que estaba embarazada. La felicidad colmó ese hogar hasta que cumplido el tiempo nació Denia Esther. De esa manera se creó ‘Sin ti’ en tono menor, cuando su corazón estaba en una nota más alta, y no le cabía en el marco de su alma.

Naferito al hablar de Carlos Vives, lo expresaba con emoción y agradecimiento. “Carlos, todo un señor artista, elegante conmigo. Me grabó en el año 2009 la canción ‘Sin ti’. De igual manera, sigue llevando la música vallenata lo más lejos posible, cosa que se le agradece”. Por su parte, Carlos Vives siempre se remite a esa nota triste donde la ha regalado por el mundo en una serie de conciertos. “Ya yo no siento alegría en mi corazón, sólo vivo triste pensando en ti”.

Los recuerdos de Naferito se mueven solos y cada uno tiene una historia que contar. En ese sentido el historiador e investigador Fernando Bordeth Chiquillo, expresó. “Náfer Santiago, fue el último bastión de la escuela negra. Era tan grande que exhalaba un olor a invierno, aún en el más fuerte de los veranos. Era madera fina y sin comparación”.

El año pasado cuando Naferito llegó a la edad de 93 años tocando su acordeón, componiendo nuevos cantos y con el ánimo por lo alto, a pesar de sus molestias de salud, anotó, “Dios que todo lo sabe y puede, ha sido maravilloso conmigo. Por eso no me canso de darle las gracias. Ya son 93 años y claro, estoy preparado cuando me llame a su presencia”.

Al llegar el momento de despedirse de la vida en una silenciosa madrugada de Valledupar, lejos de su tierra, antes en un diálogo sincero con su hijo, el compositor Luis Durán Escorcia, le aconsejó y recomendó seguir llevando la bandera de su dinastía.

Las lagrimas de aquella vez, hace ocho años cuando Carlos Vives cantó ‘Sin ti’ se siguen repitiendo, especialmente en El Paso, donde Naferito inició su gesta musical logrando sentarse en el más grande trono del folclor vallenato.

Al final cuando las hojas se desgranaron bajo la sombra de la soledad, llegaron las horas untadas de dolor y que los poetas tienden a matizarlas con versos, expresando el momento cuando las lágrimas son lluvias escondidas, las cuales se escapan de los ojos lentamente, y más sintiendo aquellos rigores de la eterna ausencia. Es el duelo mudo del ser humano porque el recuerdo vibra en la memoria donde el olvido no lo puede vencer.

El próximo 26 de diciembre ya no se verá a Naferito sonriente dándole gracias a Dios por la largura de días, pero es muy cierto que quedó inmortalizado en la música vallenata siendo el rey del tono menor. Él nunca se vistió de lino, pero si estuvo con su acordeón al pecho despertando las añoranzas con aplausos, los mismos que estuvieron plasmados en diversas canciones. El negro Durán, al que llaman Naferito, quedó enmarcado con la nota más triste.

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Malbi Blanco Romero presentó dos nuevas canciones de “Voces Femeninas del Folclor Internacional Vol. 5”

El pasado sábado 26 de septiembre se realizó, a través de la página de Facebook Live de Estampas Vallenatas del Folclor, el lanzamiento de las canciones “Un adiós a la diosa”, de la autoría del compositor Manuel Romero, y “El Rey de los Cachos”, del compositor Luis Sierra Maestre.

Ambas obras hacen parte de la producción musical “Voces Femeninas del Folclor Internacional Vol. 5” y fueron interpretadas por la reconocida cantante cartagenera Malbi Blanco Romero,prima hermana de la recordada artista Patricia Teherán Romero, quien dejó una importante huella en la música vallenata.

El encuentro contó con la participación especial de Glenda Zavala, directora del proyecto y compositora de origen arubeño, el compositor Luis Sierra Maestre y la intérprete Malbi Blanco Romero.

La entrevista estuvo a cargo de la periodista Belinda Olano, quien condujo una amena conversación en la que se conocieron detalles de las canciones, el proceso de producción, el significado y el mensaje de cada una de estas obras musicales.

Durante el encuentro también se destacó la gran versatilidad de Malbi Blanco Romero, quien demuestra su capacidad para adaptarse a diferentes estilos y propuestas musicales, imprimiendo en cada interpretación su personalidad, su estilo y ese sello vocal que la identifica como una artista en todo su esplendor.

Este lanzamiento representa un nuevo aporte a la promoción y difusión del talento femenino dentro del folclor, exaltando el trabajo de intérpretes, compositores y todas aquellas mujeres que continúan llevando nuestra música a nuevos escenarios.

Los invitamos a disfrutar de los videos de “Un adiós a la diosa” y “El rey de los cachos”, disponibles en YouTube, y a seguir apoyando el folclor vallenato y, especialmente, a todas las mujeres que día a día trabajan con pasión para mantenerlo vivo y llevarlo siempre en alto.

Javier Payares Castro… Un compositor que le canta a sus raices

Javier Enrique Payares Castro nació el 25 de febrero de 1964 en Lorica, Córdoba. Aunque inició su camino como compositor en una etapa poco convencional de su vida, fue a los 45 años cuando descubrió el talento que llevaba dentro y escribió su primera obra musical, El Humilde, marcando así el comienzo de una fructífera carrera dentro del folclor vallenato.

Inspirado por sus vivencias, sus raíces y el amor por la música, Javier ha logrado consolidarse como un compositor de letras auténticas, cargadas de sentimiento y sencillez. Además de escribir, también ha incursionado como intérprete de sus propias canciones, debutando con Aquí Estoy Yo, tema que refleja su esencia artística y su compromiso con el vallenato.

Desde hace 19 años se encuentra radicado en España, donde ha construido una nueva etapa de su vida. Sin embargo, la distancia nunca ha sido un obstáculo para mantener vivo el amor por su tierra. A pesar de vivir en otra cultura y en un espacio geográfico muy diferente a su amada Colombia, Javier Payares nunca ha olvidado sus raíces. Lleva el folclor vallenato en el corazón, lo vive, lo siente y lo proyecta a través de cada una de sus composiciones, convirtiéndose en un fiel embajador de la música colombiana desde el exterior.

Hasta la fecha, 30 obras musicales de su autoría han sido grabadas por destacados intérpretes del género y por el propio compositor. Entre ellas se destacan: Una Fecha Especial, interpretada por Jhonny Salgado; Me Voy pa Cali, por Alberto Miranda; Puyando el Burro, por Big Baxxy; Ni Novios Ni Amigos por el reconocido cantante Miguel Herrera, Que Me Mate el Cacho, Está Enganchada, Mi Mejor Regalo y Belinda la Periodista, grabadas por Carlos Correa; Cuando Me Muera, Nido de Palomas, Las Bonitas y las Feítas y Propio, por Eusebio Guerrero; Perseverancia y Camperín con Mucho Swing, por Álvaro El Bárbaro; Desilusión, junto a Pello Lara; La Bonita y la Fea, con autoría compartida con Eliezer Hernández; además de numerosas interpretaciones realizadas por el propio Javier Payares Castro, entre ellas El Traidor, Isabela, Fiesta Agradera, La Sabrosa, La Sigo Queriendo, No Dejes que Me Muera, No Tiene Comparación, La Vejez No Viene Sola, Las Agraderas, Es Mi Mujer, El Humilde, Mi Tierra Linda y No Te Detengas.

Aunque no ejecuta ningún instrumento musical, Javier ha demostrado que el verdadero talento nace de la inspiración y la sensibilidad para escribir. Su pluma ha enriquecido el repertorio vallenato con canciones que exaltan el amor, la familia, la vida cotidiana y las tradiciones de su tierra.

Con humildad, perseverancia y un profundo amor por la composición, Javier Enrique Payares Castro continúa escribiendo nuevas historias convertidas en canciones, con el firme propósito de seguir aportando al crecimiento y preservación del vallenato, demostrando que el amor por la música y por la tierra donde se nace no conoce fronteras.

Luis Enrique Martínez Argote: El rector de los acordeonistas vallenatos

«No es cuánto rápido puedes tocar. Es lo que dices»: Yuja Wang (pianista clásica china).

Por Ramiro Elías Álvarez Mercado

El vallenato tiene fundadores visibles y arquitectos invisibles. Los primeros, aparecen en las fotografías, en los homenajes y en las coronas festivaleras; los segundos, habitan en la respiración secreta de la música: allí donde nace el estilo, donde se ordena el lenguaje y donde una cultura aprende a reconocerse a sí misma.

Luis Enrique Martínez Argote perteneció a esa segunda categoría.

No necesitó conservatorios, ni cátedras universitarias, ni tratados musicales. Su escuela fue el viento ardiente del Magdalena Grande, la polvareda de los caminos, las madrugadas de parranda donde el acordeón no se interpreta: se confiesa. Allí, entre pueblos dispersos y patios iluminados por mechones de kerosene, comenzó a levantar la estructura invisible de lo que hoy entendemos como acordeón vallenato moderno.

Lo llamaron “El Pollo Vallenato”, y el apodo no era casual ni folclóricamente decorativo. En distintos lugares del Caribe, el pollo fino de pelea representa bravura, resistencia y jerarquía en la cuerda. Y así era Luis Enrique frente a otros músicos: desafiante, preciso, elegante y temible en la ejecución. No necesitaba alardes. Bastaba verlo abrir el fuelle para entender que allí había un dominio distinto una autoridad musical que no venía de la fuerza, sino del conocimiento profundo del instrumento.

Porque mientras otros tocaban el acordeón, Luis Enrique ya conversaba con él.

El Pollo Vallenato no solo interpretó un instrumento, lo ordenó y lo convirtió en lenguaje eterno.

Nació el 24 de febrero de 1922 en El Hatico, jurisdicción de Fonseca, y murió el 25 de marzo de 1995 en Santa Marta. Pero las fechas resultan insuficientes cuando se habla de un hombre que no dejó únicamente canciones, sino también una escuela estética completa. Los grandes maestros no se miden por los años que vivieron, sino por las generaciones que continúan respirando su pensamiento musical.

Y Luis Enrique Martínez todavía respira en el acordeón de Colombia.

Antes de él, el acordeón vallenato caminaba casi por intuición. Había talento, inspiración campesina y oralidad popular, pero faltaba organización musical. Fue entonces cuando apareció este juglar zurdo y visionario para construir la gramática definitiva del vallenato.

Él trazó la ruta.

Inventó la introducción que anuncia la emoción antes de que llegue la palabra. Creó puentes musicales que no eran simples conexiones, también diálogos entre el canto y el silencio. Refinó el remate y el contrarremate como quien cierra un poema con exactitud perfecta. Organizó la digitación, la entrada a las estrofas, los adornos, las pausas, el acompañamiento armónico y la estructura narrativa del acordeón.

Lo que hoy parece natural en un paseo, en un merengue, en un son o en una puya, fue primero una intuición genial en las manos de Luis Enrique Martínez Argote.

Por eso me atrevo a llamarlo el rector de los acordeonistas vallenatos.

Porque todos sin excepción han pasado por su aula invisible.

El acordeón de los festivales se abre y se cierra con «El Pollo Vallenato». Sus recursos melódicos sobreviven en las introducciones modernas, en los giros armónicos, en los bajos elegantes, en las respuestas musicales que hacen hoy los nuevos intérpretes creyendo innovar sobre caminos que él había descubierto hace más de siete décadas.

Muchos estilos contemporáneos no son otra cosa que ecos sofisticados de su pensamiento musical.

Y quizá una de sus revoluciones más grandes fue haber comprendido el verdadero papel de los bajos. En una época donde muchos los ignoraban o los reducían a acompañamiento elemental, Luis Enrique los convirtió en voz y melodía. Hizo que el acordeón sonara completo, profundo, tridimensional. Comprendió que el instrumento había sido creado para usar toda su anatomía sonora y no apenas una parte de él.

Fue un adelantado de su tiempo.

El hombre que le puso mapa al fuelle. Porque sin su estructura, el acordeón seguía siendo intuición suelta. Con él, se volvió geografía, camino, escuela.

Pero además tenía algo todavía más raro: sensibilidad.

Porque la técnica sin alma produce ruido elegante; en cambio, el arte verdadero nace cuando la precisión se encuentra con la emoción. Y eso ocurría en su ejecución. Había en su pulsación una mezcla irrepetible de sabrosura, nostalgia, firmeza y melancolía campesina.

Su acordeón parecía respirar.

Por eso no fue solamente ejecutante. También fue compositor, cantante y verseador. Más del centenar de canciones nacieron de su inspiración: La tijera, Los Morrocoyos, El cimarrón, La corocito, Jardín de Fundación, La vaciladora, Mi despedida, El gallo jabao, El Pollo Vallenato, Francisco el hombre, Merenguito sabroso, entre muchas otras obras que todavía recorren las venas sentimentales del Caribe colombiano.

Y aunque en 1973 alcanzó la corona del Festival de la Leyenda Vallenata, su verdadero reinado nunca dependió de un jurado ni de una tarima. Su corona auténtica está en el oído colectivo del vallenato.

Porque después de él, todos aprendieron y siguen aprendiendo de su legado.

Emiliano Alcides Zuleta Díaz, Nicolás Elías ‘Colacho’ Mendoza Daza, Israel Romero Ospino, Alfredo De Jesús Gutiérrez Vital, Orangel ‘El Pangue’ Maestre Socarrás, Gonzalo Arturo ‘Cocha’ Molina Mejía, Alberto «Beto» Villa Payares, Miguel López Gutiérrez, Juan Humberto Rois Zúñiga, entre tantos otros, bebieron de esa fuente melódica que hoy me permito llamar Escuela Enriquemartiana.

No una escuela de paredes y diplomas.

Una escuela espiritual.

Una manera de entender que el acordeón no es solo velocidad ni virtuosismo. Es intención, es carácter, es contar una historia con cada nota. Martínez Argote enseñó que una nota puede llorar sin perder elegancia y que un remate puede decir más que muchas palabras.

Por eso fue el papá de los acordeonistas, aunque incluso ese título parece quedarse corto.

Los padres heredan la sangre. Los rectores forman generaciones.

Hoy existen casas-museo en Fonseca y en El Copey. Hoy sus restos descansan en El Hatico bajo la admiración de quienes peregrinan buscando la memoria del juglar. Pero su verdadero monumento no está hecho de cemento, barro, yeso, o madera.

Está hecho de fuelle.

Cada vez que un joven acordeonista sube a una tarima y ejecuta una introducción elegante, cada vez que un paseo entra con precisión melódica, cada vez que un acordeón sabe cuándo acompañar, cuándo responder y cuándo callar para dejar hablar el verso, allí sigue vivo Luis Enrique Martínez.

Invisible. Magistral. Irremplazable.

Porque el vallenato no se construyó solo desde la inspiración. También necesitó pensamiento, estructura y visión artística.

Y quien organizó ese lenguaje fue él.

Hay hombres que no pasan por la historia de un instrumento: la reorganizan.
Luis Enrique no había que explicarlo mucho, bastaba escucharlo una vez para que todos los amantes de la música vallenata termináramos siguiéndolo.

El rector de los acordeonistas vallenatos no se fue.

Sigue ahí, en cada fuelle que se abre con respeto.

Atentamente,
Ramiro Elías Álvarez Mercado

Si Me Ven Llorar: el adiós de Valeria Lozano para su querido e inolvidable padre.

«La música excava el cielo»: Charles Baudelaire (poeta y ensayista francés).

Por Ramiro Elías Álvarez Mercado.

Hay canciones que no se escriben: simplemente llegan. Golpean la puerta como un viento fuerte, arrastrando polvo de recuerdos que uno creía dormidos. En el silencio de la noche, donde la luna se desvanece en el horizonte, resuena el eco de una canción que es un adiós a la música del alma. «Si Me Ven Llorar» es un paseo vallenato sentimental, la segunda entrega autoral de Valeria Lozano, que nos lleva por un viaje a través de la memoria, donde el dolor y la nostalgia se entrelazan como el fuelle de un acordeón que llora. Pertenece a esa estirpe de cantos que nacen desde lo hondo, desde un duelo que todavía respira y que, aún así, se atreve a volverse melodía.

En esta pieza, Valeria canta no sólo con la garganta, sino con la herencia entera de su sangre. Su voz, fuerte y recia como la tierra de la que viene, pero dulce y tierna como la hija que aún se sabe niña, avanza clara entre los silencios, sosteniendo una emoción que jamás se quiebra, pero tiembla. Y en este temblor está su verdad. Vocaliza con precisión, pero también con hondura espiritual: cada verso es un lamento que se abre sin desbordarse, un dolor que se convierte en canto y no en grito.

Su padre, Pepe Lozano, un hombre de campo y de música, un parrandero amante del folclor vallenato, se hace presente en cada nota, en cada palabra. La canción es un homenaje a su legado, a su pasión por la música, a su amor por la vida. La letra es un poema a la ausencia, a la pérdida, a la búsqueda de un abrazo que ya no está. «Quedaron tantas cosas por decir / Quedaron mil canciones que cantar», canta Valeria, como si las palabras se le escaparan de las manos, como si la música fuera la única forma de retener a su padre. Y es que la música es el lenguaje universal, y en este caso, es la lengua que habla de amor, de dolor, de recuerdos.

El acordeón de Carlos Olivera es un acompañamiento perfecto; él es un acordeonista joven, pero que lleva en su interior el murmullo de los juglares. Su instrumento es un susurro que se mezcla con la voz de Valeria, creando un espacio íntimo, un lugar donde el dolor y la nostalgia se hacen uno. Sus notas sostienen la voz de Valeria como un hombro que entiende, como un viento que empuja sin invadir. La melodía es simple, pero profunda, como un río que fluye suavemente, llevando consigo los recuerdos y las emociones.

La figura de Pepe Lozano se hace presente en cada nota, en cada palabra. Un hombre que amaba la música, que amaba la vida, que amaba a su familia. Un hombre que dejó un legado, que Valeria lleva en su corazón, en su voz, en su música, en su andar.

«Si Me Ven Llorar» es más que una canción, es un adiós que sale de lo más profundo del alma, un adiós a un ser querido. Es un recordatorio de que la música es la guía del espíritu, y que el amor y el dolor son universales. Valeria Lozano nos ha regalado una letra, un poema que es un homenaje a su padre, a la música, a la vida.

Al final, «Si Me Ven Llorar» parece decirnos que lo que amamos nunca se marcha del todo: se queda suspendido en un punto secreto del espíritu, donde habitan los afectos que resisten la muerte. Allí, en esa zona donde lo visible se mezcla con lo sagrado, su voz se vuelve un puente: une el mundo de los vivos con la memoria vibrante de los que ya partieron. El acordeón de Olivera, por momentos suave y por momentos fuerte, abre una grieta luminosa por donde Pepe vuelve a asomarse. Es como si el canto fuera una oración sin templo, un rito íntimo donde la música se convierte en un territorio de encuentro. Y en ese encuentro, la tristeza deja de ser peso: se vuelve luz, se vuelve testimonio, se vuelve camino.

Así, esta canción no solo honra una ausencia: inaugura una presencia distinta. Una presencia que no toca la tierra, pero toca el alma. Una presencia que no vuelve en cuerpo, pero regresa en sonido. Y es ahí, justo ahí, donde el folclor demuestra su poder más antiguo: hacer que la vida continúe aun cuando la vida parece haberse ido. Porque mientras Valeria cante, mientras su voz tiemble con verdad, mientras el acordeón y la guitarra la envuelvan como un abrazo que no caduca, su padre seguirá parrandeando en el silencio, en la brisa, en la eternidad que sólo la música sabe abrir.

Cariñosamente,
Ramiro Elías Álvarez Mercado.